神作来了，场场爆满

“昨日像那东流水，离我远去不可留，今日乱我心，多烦忧……”

11月6日晚，舞台剧《繁花》三部曲·终季在广东省友谊剧院上演。谢幕时分，《新鸳鸯蝴蝶梦》的旋律响起，和小说结尾相映照，牵连着看客们的思绪在穹顶下飞扬。

作为第六届粤港澳大湾区文化艺术节“艺汇湾区·剧目展演”板块的重磅入选剧目，舞台剧《繁花》三部曲南下广州之行，是该剧目首次在单城开启三季连演。原著中数不清的经典角色、地名和对白，悉数得以还原，呈上了气韵生动的上海滩风情画。

三周的时间里，双剧场接力，长达九小时的连演，这对于大湾区的剧迷和文化爱好者来说，颇具“高调”的仪式感。将其放在短剧抢占注意力的当下，又难免有些反直觉、反常识。

自2018年初在上海美琪大戏院首演以来，这部戏已走过了近十个年头。主创们的初衷，与其说是“对抗时间”，毋宁说是沉下心来，为上海保留些珍贵的剪影。

如果说前两年王家卫版的《繁花》，出手大刀阔斧，给上海套了层外乡人怀旧的滤镜，舞台剧版的改编，则是一群青年人和父辈与当下的对话互动。

台上氤氲着的除了金粉，老式家具的灰尘和气味，还有表现力强烈的声光。透过这些细处的编排设计，不论原著党还是普通观众，都能重新捧起《繁花》，辨识出它在整个海派叙事谱系中卓然的地位。

金宇澄创作的35万字的小说《繁花》，颇具话本式叙事的色彩，笔法遍布穿插、藏闪等技巧，将各色红尘男女的故事在长卷中次第展开，写透一座城的如潮涨落。

舞台剧《繁花》三部曲的艺术总监张翔，是原著作者金宇澄的好友，也是小说的第一批读者。提起当年读完电子版的印象，他仍难掩激动。《繁花》无主线的网状结构，打破了中国当代文学的传统惯例，对于城市文学抑或上海变迁的记录，具有堪比“博物志”的重要性。

“这个戏没有绝对的主角，每个人都有可悲、可叹、可喜之处，他们组合起来，才是这朵‘繁花’。”读罢，张翔很快决定，要将《繁花》改编成适切的艺术语言，并在深入考察后选择了舞台剧。

在此之前，张翔从未接手过任何舞台剧项目。他从零开始码团队，最终筛选出来的，是一支年龄和阅历都并不扎眼的队伍，包括新锐导演马俊丰、凭《蒋公的面子》被熟知的温方伊、电子音乐人B6、多媒体艺术家雷磊等等。

这群以新上海人和异乡人为主的创作者，彼时并无充裕的经验，更别说面对的是体量如此庞大的巨著改编。而他们最终接下这份委托，除了想要挣脱“年代戏”的窠臼，抓住和当代观众对话的创新之道，也含有私人的情愫。

如同马俊丰所说：“其实我们不是尊重原著，我们就是喜欢原著，我们排的也不是上海，而是书中通过金宇澄这个棱镜折射出来的上海。”

编剧温方伊在描述自己对小说整体的感受时，提到了书中一处闲笔：阿宝参加完宴会，和吴小姐来到舞厅，吴小姐穿着反光的舞裙扎进舞池，“裙子在黑暗中时隐时现，宛如深海中的浮标。”她将其形容为改编发端的“概念图”。

循着这条脉络，她开始不断打磨剧本，并在和金宇澄沟通后，决定忠于小说的框架，即六七十年代和九十年代的双线交错并进，以更好勾勒出时代的沧桑巨变。为此，她在写大纲时特意做了情境上的对比衔接，如第一季中60年代小毛的生日散场，紧接着就切到90年代，庆生的主角换成李李。

尽管有科班出身的底子，但在温方伊看来，最初加入整个团队，多少是凭着“初生牛犊不怕虎”的劲儿。金宇澄的原著运用了上千次“不响”，以传递出上海人的处世观和人生哲学，如何将暧昧、文学性的留白，翻译成地道又易于消化的形式，是她和其他主创绕不开的课题。

好在，大家对于改编方向有着相当的共识，在摸索转化的同时，原著核心的精髓也得以保留，如坚持全程使用沪语演出，虽有其风险，却更加凸显了角色的思维和性格，也为上海这座城市找到了充满呼吸感的载体，形成某种基础的表里呼应。

而在视听呈现的把控上，看过舞台剧的观众，不难留意到每季用来彰显主题的道具：从轮盘、履带再到十二宫格，还有纱幕和供演员穿梭的旋转门洞，舞台上的置景和对白互为补充，营造出参差错落的空间立体感。B6操刀的电子乐侧重氛围烘托，以求还原出老上海的调性。

舞台剧《繁花》最初立项改编，就做好了拆成三部曲的准备，但在2018年初首演前，主创们心里仍怀着几分忐忑。舞台剧在国内作为一门“窄众”的艺术，总归是要接受市场检验的，即便有原著的名气做担保，也没人说得清，这个全新版本的命运将落向何处。

在纷飞的大雪天中，第一季连演8场，场场爆满，上座率高达95%。首演成功给了剧组极大的信心，也让那群眉角传情的男女从书中走出，来到了众人眼前。

任何能在文学造诣和深度上媲美《繁花》的作品，都有个共性的特征：观众在变幻的心境下，观照出的内核也不尽相同。创作者将琐碎芜杂的线头扔出去，供人拼凑出自己的定义和样貌。

编剧温方伊提到，团队在改编第一季时，还有些放不开手脚，曾设想过引入说书人的角色，类似于“阁楼先生”。这个方案虽未被采用，但大家仍认为舞台上需要一个穿针引线式的视角，引导观众去理解剧情。

最终，阿宝承担起了任务。进一步说，第一季是以他和沪生、小毛三兄弟的命运为轴，聚焦普通人在时代激流中的离散和彷徨，牵扯出若干令人反复咂摸的配角。

书中让阿宝惦记的蓓蒂，没在舞台上现身，却成了一条很难忽略的暗线。90年代的阿宝回忆起俩人童年时爬到屋顶上，“瓦片温热，黄浦江船鸣，蓓蒂头发飞舞……”昔日的美好纵使鲜活无比，却再没了下落，如同杯中摇晃的灯影。

在姝华口中，蓓蒂最后变成金鱼跳进了黄浦江。这个陡然揭开的谜底，将残酷和沉重埋在诗意里。与之相对的则是“要做人，不要做鱼”的姝华，从带着孤傲和清冷气质的知识女性，到终成披头散发、疯癫恍惚的模样，浸透了锦瑟弦断的悲戚。

第一季的情感高潮，莫过于沪生在邮车上收到姝华的来信，原著中经典的句子，被后者娓娓念出：“独立出生，独立去死……人生是一场荒凉的旅行。”用这封信做结局，是温方伊最初就设定好的，为的是给观众提供可以不断回顾、叩访的记忆锚点，将散落的故事元素重新整合起来。

“书中最核心的三位男性实际上都是‘消极型’人物，他们很少说话。如果将其作为主角置于传统戏剧框架中，会面临极大的挑战。”到了第二季，温方伊在以沪生为主角的同时，开始大量融入原著叙述，展现三兄弟从情谊破碎到重逢的过程。

在乱花迷眼的新角色中，潘虹饰演的黎老师颇让人动容，被剧组喻为“城市的重低音”。小说里对黎老师的着墨并不突出，潘虹的整段表演也才20分钟，却凭着深厚的功力，在12平方米车台搭建的陋室内绽出了耀人光彩。

双目失明的黎老师，困在等不到的明天里，读书人化作一缕青烟到月亮上去了，只剩她独守公寓，整日摩挲着收音机来感知外界。在潘虹顿挫的语调里，全场默然无声，仿佛跟着她的独白掉进了一段尘封已久的往事。

相比于首季，第二季多了迅疾的转折：小琴讲到去世的小叔每年春节变作一只练鹊回家吃团圆饭，她设局勾搭陶陶，却意外从阳台跌落；春香难产而死，小毛从此成了鳏夫；阿宝和雪芝无果的恋情……每个人都在风中飘摇，望不见山后还有几重山。

到了终季“繁花落尽梦成空”，为了收束前两季的人物关系，主创打破了时空界限，尝试将人物和情境进行更加连贯、具有流动性的衔接。市井弄堂与现代高楼在十二个高低不同的格子中同框，走马灯般上演着人生的轮回无常。

在时代跨度赋予的洪流感之外，《繁花》究竟讲了什么？粗看不过是风月场上的周旋，这些伧俗的边角料，若以现代的眼光和标准来看，难免显得“流里流气”。然而世情小说的魅力，正是以极微的情感为切口，侧写出大千世界的辽阔、奔腾。

舞台剧版的改编，植入了一些独运巧思的亮点，如模仿电视剧风格的“前情提要”，此外还有风趣的蒙太奇转场，如第一季的“打胎”接小毛打拳、第二季潘静给心乱如麻的陶陶唱《祝你平安》等等。

艺术总监张翔强调说，这种不经意的荒诞和黑色幽默，也是他当初敲定和导演马俊丰合作的考量：“我想要轻轻拿起再放下，而不是那种悲天悯人的方式，让观众‘哐哐’被砸。”因为人生虽是趟苦旅，但世事仍在大步向前，沧浪拍打，流过石库门和万户檐。

舞台剧区别于其他艺术门类的，是其灵活、富于延展的变化性。每次排练的动机、每个演员的情绪状态，包括编导的思路都在经验积淀中，不断碰撞出新的化学作用。

舞台剧《繁花》三部曲在季与季之间，留足了间隔来收集观众的反馈、并将其反哺到后续的制作中。随着磨合与信任的加深，主创们排到第二、第三季，有了更多底气去做实验性的内容。对于这种不拘泥于成规的突破，金宇澄给予了充分的包容和支持。

马俊丰本科毕业于深圳大学，在他看来，此次带着舞台剧《繁花》三部曲首登大湾区，既有“交作业”的性质，也如同一场在地的跨文化实验。为了让观众看到量身定制的诚意，主创团队在复排中做了不少改良和调整。

其中，邀请香港舞台剧大师詹瑞文（詹sir）加盟出演徐总，可称得上绝妙的设计。徐总在剧本里是江浙商人，此番摇身变作港商，也和阿宝90年代下海经商、做外贸的背景相呼应。沪语的软糯混合着粤语铿锵、短促的声调，在舞台上比拼切磋，竟全无割裂感。

除了从角色身份入手，主创也在对白中埋了很多广东俚语的表达，以及替换掉“沪味”太重的措辞。“比如‘坍台’，在上海闲话里就是丢面子、出洋相，但为了方便广州观众理解，我们只能用‘丢脸’。”张翔举例说。第二季正式开演前一天，他还在忙着抠字幕上的细节。

相较于纯正的沪语，粤语有时显得相对粗线条，却并不粗俗。当流窜着草根气息的用词集合在演员身上，角色的分量和历史，都从历史的缝隙间自然浮现出来。从现场爆发的掌声和晒在社交媒体上的观后感来看，广州的观众不仅跟得上剧情，还能给出余韵深刻的解读。

对于导演马俊丰来说，《繁花》骨子里的从容坚韧，本就是超越了方言和地域的。他特别提到第一季最后有个场景，多媒体大屏投出档案式的年代影像，五个人在转台上目视前方，就这样逆着往前走——像极了上海和广州“敢为人先”的城市精神缩影。

不仅是剧中人，每个陪伴着舞台剧一路走来的人，这些年都经历了各种变化，个人的际遇和机缘，叠加上外部的阴晴圆缺，使得改编背负了更多层次的意义。

“做《繁花》对我个人来说，解决了一个身份认同的问题，就是我没有‘故乡’的概念了。”马俊丰说。从老家太原到深圳，再到上海，坐标在移动，带来的滋养和内化体验是全方位的。他和其他剧组成员也在借这部戏，回应自己对生活的诉求、困惑和思考。

《繁花》在心中盛开，各有各的风姿。对这群人而言，每次走进剧场和观众相遇，等于重新“活”了一遍。这种微妙的连结和在场性，和由此凝聚而成的能量，是舞台剧表演最妙不可言的部分。

从2013年原著正式出版、2017年舞台剧项目启动，到今年首登大湾区，《繁花》的故事轮回了一遭。它之于上海的兴替浮沉，就像《茶馆》之于北京。在未来，主创们还有更多待拍板的推广计划，譬如将三部曲做成马拉松式的单日连演，或压缩成6小时版本。

诚然，类似的想法只是雏形。包括观众的耐力和接受度、情节的取舍等等，有太多的因素要权衡。但，就像编剧温方伊所说：“戏剧实际上是一种自由度很高、非常适合个人表达的媒介。不论它最终能发挥多大的影响，创作者都该表达自己相信的，避免被市场牵着走。”

时代的梦幻泡影下，响与不响，一切自有定夺。而只要人们还执着于平凡的爱恨纠葛，以及嘈嘈切切的烟火气，舞台剧《繁花》三部曲就会在每次大幕拉开时，继续带领观众去触摸城市的根脉，重返日常生活的坚固和永恒。

值班主编 | 张来

排版 | 阿车

南风窗新媒体 出品

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